Warum Andy Warhols „Prince“ eigentlich schlecht ist und die Entscheidung Warhol Foundation vs. Goldsmith eigentlich gut ist

Wir müssen die Argumente, die wir zur Appropriation-Kunst vorbringen, neu starten.

Ben Davis, 1. Juni 2023

Die unerwartete Entscheidung des Obersten Gerichtshofs gegen die Andy Warhol Foundation im Fall Warhol Foundation gegen Goldsmith sorgt weiterhin für Gesprächsstoff. Es wurde viel darüber geschrieben und die rechtlichen Fragen sind komplex. Doch im Hinblick darauf, welche Art von Argumenten Menschen in der Öffentlichkeit zu Fair Use und Appropriation Art vorbringen, denke ich, dass die interessante Frage, die der Fall aufwirft – eine, die Sonia Sotomayor in ihrer Mehrheitsentscheidung ausdrücklich stellt, die aber im Kommentar weniger thematisiert – ist this: Glauben wir beim Thema „Fair Use“ tatsächlich an eine „Promi-Künstler-Ausnahme“?

Ich werde nicht alle Details noch einmal aufwärmen. Im Wesentlichen bezahlte Vanity Fair die Lizenz für eine Einmallizenz für ein Foto von Prince aus dem Jahr 1981 von Lynn Goldsmith und beauftragte Andy Warhol damit, eine Illustration davon für das Magazin anzufertigen. Warhol schuf auf der Grundlage des Bildes eine Reihe weiterer Kunstwerke in verschiedenen Farbpaletten. Im Jahr 2016, als Prince starb, verwendete Condé Nast einen dieser alternativen Princes als Cover für ein spezielles Gedenkmagazin mit dem Titel „The Genius of Prince“ und zahlte der Warhol Foundation viel Geld für die Lizenzierung. Goldsmith war der Meinung, dass ihr etwas zusteht, und die unteren Gerichte konnten nicht auf die eine oder andere Weise entscheiden, also entschied der Oberste Gerichtshof mit sieben zu zwei Stimmen, dass ihr etwas zusteht.

Abgesehen von wichtigen Fair-Use-Fragen ist einer der Gründe, warum die Leute über den Fall reden, die denkwürdig unhöfliche Haltung der Richter Sotomayor (für die Mehrheit) und Elena Kagan (mit John Roberts, für die Minderheit) zueinander in ihrer Meinung. Hier ist Sotomayor, die mit den Augen rollt über die vielen Seiten pedantischen kunsthistorischen Glanzes, die Kagan der Erklärung der Beziehung von Manets Olympia zu Tizians Venus von Urbino widmet: „Das Leben der Künstler ist zweifellos eine lebendigere Lektüre als der US-Code oder die US-Berichte.“ , aber als Gericht haben wir diesen Luxus nicht.“

Und hier ist Kagan, die auf Sotomayors schlechtes Verständnis von Warhols künstlerischem Prozess antwortet: „Die Mehrheit ignoriert Unmengen von Expertenbeweisen – und erklärt, wie jeder Kunsthistoriker erklären könnte, genau, worum es bei der Aufregung geht – und verwurzelt sich fest im ‚Ich.“ könnte diese Schule der Kunstkritik malen.

Links: Elena Kagan, stellvertretende Richterin am Obersten Gerichtshof der USA, an der George Washington University Law School, 13. September 2016 in Washington, DC. (Foto von Mark Wilson/Getty Images); rechts: Richterin am Obersten Gerichtshof Sonia Sotomayor an der George Washington University am 1. März 2019 in Washington, DC. (Foto von Paul Morigi/Getty Images)

Da die Kunstwelt häufig mit einzigartigen Werken handelt, die die allgegenwärtigere Populärkultur „kommentieren“, nimmt sie instinktiv eine defensiv-maximalistische Haltung gegenüber Aneignung ein (im Gegensatz zur Welt der Fotografie, die schon immer instinktiv dagegen war). Und weil Kagans Dissens einer erweiterten Verteidigung des Wertes von Andy Warhols Kunst gleichkommt, gilt sie als Sprecherin von Menschen, die „Kunst bekommen“. Ehrlich gesagt denke ich jedoch, dass Kagan eine wichtige, offensichtliche Tatsache an diesem „Prince“-Kunstwerk von Warhol auslässt und damit die großen kreativen Fragen umgeht, die im Spiel sind.

Und das ist, dass es ein ziemlich schlechter Warhol ist. Ich denke tatsächlich, dass das wichtig ist.

Ich meine, schauen Sie es sich wirklich an. Für die Pop-Art-Fans da draußen: Glauben Sie wirklich, dass dieser „Prinz“ Warhol auf dem Höhepunkt seiner Kräfte ist? Offensichtlich nicht.

Kagan beginnt ihren Text mit einer ausführlichen Beschreibung eines völlig anderen Warhol-Werks, seines viel berühmteren Marilyn (1964). Sie beschreibt ausführlich den Prozess der kreativen Transformation, der mit der Aufnahme eines Werbefotos und seiner Verwandlung in das berühmte, heute überall bekannte Gemälde einherging. Kagan bezeichnet die Idee von Marilyn als „eine bissige Kritik am Kult der Berühmtheit und der Rolle, die er im amerikanischen Leben spielt“. Sie spricht über den entscheidenden Wert von Warhols Kunst: „Er manifestierte, kurz gesagt, die entmenschlichende Kultur der Berühmtheit in Amerika.“

Die 16 Siebdrucke und Zeichnungen in Andy Warhols „Prince Series“, die auf Lynn Goldsmiths Foto des Musikers basieren, sind Gegenstand einer Urheberrechtsklage, die vor dem Obersten Gerichtshof der USA verhandelt wird. Mit freundlicher Genehmigung des Obersten Gerichtshofs der Vereinigten Staaten.

Und dann sagt Kagan einfach: „Wie bei Marilyn, ähnlich auch bei Prince.“ Der Dissens wird sich auf vielen Seiten immer wieder wiederholen und sagen, dass Sotomayor und die anderen Richter einfach nicht die tiefe, kritische Sichtweise auf die modernen Verhältnisse verstehen, die in Warhols „Prince“-Reihe verankert ist. Sie spricht in seinen Prince-Leinwänden von der „Übermittlung neuer Botschaften über die Promi-Kultur und ihre persönlichen und gesellschaftlichen Auswirkungen“. Sie geht sogar so weit, auf die „umwerfende Kreativität im Bild des Prinzen“ hinzuweisen.

Aber leider nein. Das Prince-Image ist Hackarbeit. Das ist nicht die Meinung der „Das könnte ich malen“-Schule der Kunstkritik; Es ist eine übliche kritische Sicht auf den verstorbenen Warhol. Der Typ fiel ab, als er älter wurde.

Der 60er-Jahre-Warhol mit den Marilyns und Jackies, den „Deaths and Disasters“, den „Thirteen Most Wanted“, Coca-Cola und Suppendosen – er ist hier witzig und innovativ und verwendet relativ einfache Mittel des Siebdrucks und künstlerische Umgestaltung. Neufärbung und Wiederholung, um den Originalbildern ein Gefühl von abgelenktem, durch die Kanäle surfendem Glamour zu verleihen.

Andy Warhols Shot Sage Blue Marilyn (1964) Gemälde von Marilyn Monroe bei Christie's am 21. März 2022 in New York City. (Foto von Dia Dipasupil/Getty Images)

Bei Warhol aus der Spätzeit ist das etwas anderes. Dort gerät er ein wenig ins Wanken und lebt von seinem früheren Ruhm, um seinen verschwenderischen Lebensstil und viele Lieblingsprojekte (z. B. das Interview-Magazin) zu finanzieren. In seiner „Society Portrait“-Ära produzierten seine Assistenten riesige Mengen an Warhol-Porträts für 25.000 US-Dollar pro Stück für jede untergeordnete Berühmtheit oder durstige Gesellschaftsdame, die eines haben wollte, um damit Geld zu verdienen. (Für zusätzliche Panels berechnete er zusätzlich 15.000 US-Dollar.)

Das Prince-Porträt von 1984 war eine noch geringere Art von Hackarbeit, die auf diesen massenproduzierten Porträts aufbaute und seinen damals typischen Stil auf ein aktuelles Thema, eine Bestellung, anwandte. Kagan ist entsetzt darüber, dass die Mehrheit so tut, als würde Warhol nur einen Warhol-„Instagram-Filter“ anwenden – aber das ist nicht allzu weit von dem entfernt, was er in diesem Fall tat.

Spielt es aber eine Rolle? Qualität ist subjektiv. Auch mittelmäßige Kunst hat eine Daseinsberechtigung. Und der verstorbene Warhol hat seine Apologeten. Ich denke nur, dass die Magie des Namens „Warhol“ die Wahrnehmung der Menschen hinsichtlich der Art von Argumenten trübt, die zu diesen bestimmten Werken vorgebracht werden müssen.

Was wäre, wenn der Name stattdessen „Mr. Brainwash“ wäre?

Vor einem Jahrzehnt verlor der verhasste Straßenkünstler einen Rechtsstreit wegen der Aneignung eines berühmten Fotos von Sid Vicious aus dem Jahr 1977 von Dennis Morris, dem Fotografen der Band. Der Fall war sehr ähnlich. Brainwash fertigte mehrere auf Sid Vicious basierende Werke an, die er im Rahmen seiner Show „Life Is Beautiful“ verkaufte, und veränderte sie auf unterschiedliche Weise – aber mindestens eines sah im Grunde wie das gleiche Foto aus, leicht umgefärbt, aber mit etwas Farbe darauf aufgetragen. Der Richter in diesem Fall sagte, dass „die meisten Werke der Beklagten bestimmte neue Elemente hinzufügen, aber die Gesamtwirkung jedes einzelnen nicht transformativ ist“ (gleichermaßen warnt Sotomayor, dass die jüngste Entscheidung „nicht bedeutet, dass alle abgeleiteten Werke Warhols, noch … Alle Verwendungen derselben führen zu derselben Fair-Use-Analyse.")

Auf jeden Fall verlor Mr. Brainwash, aber er versuchte sich mit genau den gleichen Argumenten über sein Werk zu verteidigen, die Kagan Warhols „Prince“ zuschreibt: dass seine Farbauswahl bedeutungsvoll war und dass das Werk irgendwie „ein Kommentar zu Sid Vicious‘ Persönlichkeit“ war und über die Naturberühmtheit im Allgemeinen. Der Richter stellte fest, dass es sich hierbei offenbar um eine „post-hoc-Rationalisierung“ handelte, und hielt die Verteidigung von Brainwash für nicht überzeugend, dass „vor der Erwiderung keine Beweise für die transformative Wirkung vorgelegt wurden, weil die Beklagten die transformative Natur des Werks für selbstverständlich hielten.“

Im Wesentlichen lautete die Botschaft: Wenn Sie den „Fair Use“-Schutz nutzen wollen, um das urheberrechtlich geschützte Werk einer anderen Person zu kommerzialisieren, müssen Sie zumindest so tun, als würden Sie es versuchen.

Mr. Brainwash bei seiner ersten Ausstellung „Life is Beautiful“ am 17. Juni 2008 in den CBS Studios in Hollywood, Kalifornien. (Foto von Paul Redmond/WireImage)

Zu dieser Zeit hatten in der Kunstwelt nur wenige Sympathien für ihn, da Mr. Brainwash als hochkarätiger Hacker galt. (Wenn Sie sehen möchten, wie unkompliziert Appropriation-Kunst sein kann, sehen Sie sich die Assistenten von Mr. Brainwash an, die in „Exit Through the Gift Shop“ über seinen Prozess sprechen – es ist ungefähr zur vollen Stunde.)

Die Frage nach der faulen, unkreativen Nutzung der Aneignung durch mächtige Künstler, denen die Ideen ausgegangen sind und die sich gerne an den einzigartigen Werken anderer Menschen orientieren würden, ist ebenso wichtig wie die Frage nach der tatsächlichen kreativen Nutzung der Aneignung!

Und es besteht eine gute Chance, dass Warhol Foundation gegen Goldsmith nicht einmal den Brainwash-Fall berührt hätte. Das Gericht wich der Frage aus, ob Warhol aus Goldsmiths Foto Kunst machen könne (es „drückt keine Meinung zur Entstehung, Ausstellung oder zum Verkauf der Originalwerke der Prince-Serie aus“). Stattdessen konzentrierte man sich auf die für diesen Fall neuartige Frage der Lizenzierung.

Kommentatoren beklagen die große abschreckende Wirkung, die dieses neue Urteil des Obersten Gerichtshofs auf die Kreativität haben könnte – und vielleicht kommt diese Abkühlung noch. Wir sollten uns vor unbeabsichtigten rechtlichen Konsequenzen hüten (denken Sie daran, wie die Berufung auf „Kunst“ im Fall Masterpiece Cakeshop gegen Colorado Civil Rights dazu genutzt wurde, Formen der Diskriminierung von Homosexuellen zu legalisieren).

Lynn Goldsmith posiert für ein Foto mit Anwältin Lisa Blatt auf den Stufen des Obersten Gerichtshofs für den Fall Warhol v. Goldsmith am 12. Oktober 2022 in Washington, DC. Foto von Mickey Osterreicher/Getty Images.

Aber Amy Adler geht sogar so weit zu schreiben, dass nach der Entscheidung „jede Künstlerin, die mit vorhandenen Bildern arbeitet, jetzt ihre Praxis überdenken sollte.“ Ich bin kein Rechtswissenschaftler, aber das scheint ... eine extreme Reaktion zu sein.

Sotomayors Argumentation ist, dass sowohl die „Nutzung“ eines Werks als auch seine Aneignung ein wichtiger Faktor dafür sind, wie es behandelt wird. In diesem sehr skurrilen Fall wurde „Warhols Prinz“ als Auftragsillustration erstellt, für die ein bestimmtes Foto erforderlich war. Das bedeutet, dass die Ableitungen dieses bestimmten Werks besondere Aufmerksamkeit erfordern, wenn auch sie als Illustration für eine sehr ähnliche Verwendung lizenziert sind .

Als Objektiv für die Betrachtung eines komplexen Problems mit vielen Grenzfällen halte ich „Nutzung“ tatsächlich für vielversprechender als Kagans scheinbar grenzenloses „Kopieren nicht alle Kreativität?“ Argumentationslinie, die mich fragt, ob überhaupt jemand Goldsmiths Foto lizenzieren musste – solange es Andy Warhol war, der es verwendete.

Ein Besucher betrachtet Brillo Box (1964) von Andy Warhol in der Ausstellung „Andy Warhol: Pop Art“ in der RCB Galleria am 12. August 2020 in Bangkok, Thailand. (Foto von Jack Taylor/Getty Images)

Obwohl Kagan auf der zweiten Seite ihres Dissenses den Kunstkritiker und Philosophen Arthur Danto als Autorität für den Wert von Warhol zitiert, denke ich interessanterweise, dass Danto zustimmen würde, dass „Gebrauch“ eine Schlüsselkategorie ist. Dantos gesamtes philosophisches Argument, das aus seiner Betrachtung von Warhols Brillo Boxes hervorging, war, dass die kontextuelle „Welt“ um ein Bild herum seine Bedeutung ausmacht. Die Bedeutung der visuellen Transformation, wie sie Kagan in Warhols Fall zu rechtfertigen versucht, war eigentlich das, wogegen er argumentierte.

Sehen Sie, ich bin nicht wirklich in der Lage, die detaillierteren rechtlichen Fragen zu klären. Es gibt wirklich skrupellose Menschen, die jeden Winkel ausnutzen wollen. Aber um alle meine Karten auf den Kopf zu stellen: Ich denke, der Grund dafür, dass ich hier mehr auf die Mehrheit reagiere, liegt darin, dass das Thema der Stunde generative KI-Kunst ist.

Als Warhol seine „Prince“-Reihe drehte, machte er Werbung für Amiga-Computer. Ihre leistungsstärkste Kunstanwendung war etwas namens Deluxe Paint, das im Vergleich zu heute dem Schnitzen von Bildern in Steintafeln entspricht.

Die folgenden Jahrzehnte des rasanten technologischen Wandels – vor der KI – führten bereits nicht nur zu einer Explosion kreativer neuer Formen des Kopierens, sondern untergruben auch das Potenzial für eine stabile kreative Karriere (etwas, das Astra Taylor vor einiger Zeit mit leidenschaftlicher Tiefe erforscht hat). In den letzten 10 Jahren hat sich wirklich die Erkenntnis durchgesetzt, dass die maximalistische Position „Freie Kultur ist per Definition gut und fortschrittlich“ für die meisten arbeitenden Kreativen nicht tragbar ist.

Die neue Welle der generativen KI ist im Wesentlichen ein Weltuntergangsgerät, das darauf abzielt, jede Form des stabilen Schutzes für einzigartige kreative Werke zu zerstören. Es basiert auf unvorstellbar großen Mengen an oft urheberrechtlich geschütztem Material und ist in der Lage, schnell kreative Leistungen zu erbringen. Es verfügt über die magische Fähigkeit, alles ins Visier zu nehmen und es gerade so weit zu remixen, dass Sie sich keine Sorgen um Anerkennung oder Vergütung für die Originalarbeit machen müssen welche „Verwendung“ Sie auch immer wünschen.

Es ist sehr schwierig, diese Technologie zu regulieren. Dennoch ist das Gesetz eines der wenigen Werkzeuge, die uns möglicherweise zur Verfügung stehen, um den ursprünglichen Schöpfern Wertschnipsel zurückzugewinnen, da jedes Werk der menschlichen Schöpfung fröhlich in die universelle Wurstmühle der Hauptstadt des Silicon Valley geworfen wird.

Tech-Unternehmen haben sicherlich im Vorfeld Warhol Foundation gegen Goldsmith beobachtet. Laut Bloomberg wird nun darüber nachgedacht, welche Auswirkungen das für die KI-Generatoren haben könnte. Natürlich scheint mir die tatsächliche Entscheidung bewusst konkret zu sein – und bisher reichte nicht einmal die Drohung mit der vollständigen Ausrottung der Menschheit aus, um den KI-Moloch der Unternehmen zu bremsen. Daher bin ich hinsichtlich einer sinnvollen Kursänderung nicht so optimistisch.

Aber als ich das Hin und Her zwischen Kagan und Sotomayor lese, ist mir klar geworden, dass es der Kreativbranche nicht dabei helfen wird, sich in diesem gefährlichen Terrain zurechtzufinden, wenn sie völlig an einer automatischen Romantisierung der Warholschen Aneignung festhält. Es könnte tatsächlich nützlich sein, differenziert darüber nachzudenken, wie sich der Warhol von 1964 vom Warhol von 1984 unterscheidet, wenn wir einen Weg durch die Welt von 2024 finden wollen.

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